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Ruskin – Modigliani: El Escándalo Del Vello Púbico

Exposición: Modigliani

Fecha: 23 de Noviembre de 2017 – 2 de Abril de 2018.

Museo: Tate Museum, London.

Amedeo Modigliani nació en Italia en 1884 y falleció en París a los treinta y cinco años. De familia judía, era hijo de madre francesa y padre italiano, por lo que creció en el seno de tres culturas. Hombre apasionado y encantador, tuvo numerosas relaciones amorosas a lo largo de su corta vida. Tres fuentes distintas alimentaron su visión única del mundo: la apreciación del legado artístico clásico e italiano, la comprensión de la sensibilidad y el estilo franceses, y especialmente el rico ambiente artístico del París de principios del siglo XX, y su propia conciencia intelectual, influida por la tradición judía.

A diferencia de otros artistas de vanguardia, Modigliani pintaba principalmente retratos irreales de rostros alargados a los que dotaba de un aire melancólico que le era propio, y desnudos que exhibían una belleza grácil y un extraño erotismo.

En 1906, Modigliani emigró a París, centro de la innovación en arte y mercado artístico internacional por excelencia. Frecuentó los cafés y las galerías de Montmartre y Montparnasse, donde se congregaban numerosos grupos variopintos de artistas. No tardó en trabar amistad con Maurice Utrillo (1883-1955), pintor postimpresionista y alcohólico, y con el pintor alemán Ludwig Meidner (1844-1966), quien describió a Modigliani como “el último bohemio auténtico” (Doris Krystof, Modigliani).

Pese a que su madre le enviaba todo el dinero que podía permitirse, Modigliani vivía sumido en una pobreza desesperante que le obligaba a cambiar de alojamiento con frecuencia y, en ocasiones, a abandonar tras de sí sus obras cuando tenía que huir precipitadamente al no poder pagar el alquiler.

Fernande Olivier, la primera amante que Pablo Picasso (1881-1973) tuvo en París, describe así uno de los alojamientos de Modigliani en su libro Picasso and his Friends (1933): “Una tarima con cuatro patas ocupaba un rincón de la estancia. Sobre un hornillo pequeño y oxidado había una jofaina de barro; al lado, una toalla y una pastilla de jabón descansaban sobre una mesa de madera blanca. En otro rincón, un pequeño y deslucido arcón negro hacía las veces de incómodo sofá. Había además una silla de mimbre, caballetes, lienzos de diversos tamaños, tubos de pintura esparcidos por el suelo, pinceles, recipientes con trementina y un cuenco con ácido nítrico (usado para los aguafuertes). No había cortinas”.

Modigliani era un personaje popular en el Bateau-Lavoir, el célebre edificio en el que muchos artistas, entre ellos Picasso, tenían sus estudios. Es probable que el nombre del edificio, que quiere decir “lavadero flotante”, se le ocurriera al escritor bohemio y amigo de Modigliani y de Picasso Max Jacob (1876-1944).

En el Bateau-Lavoir, pintó Picasso Las señoritas de Avignon (1907), un retrato radical de un grupo de prostitutas que marcó el inicio del cubismo. Otros artistas de aquel desvencijado inmueble, entre los que figuraban los pintores Georges Braque (1882-1963), Jean Metzinger (1883-1956), Marie Laurencin (1885-1956), Louis Marcoussis (1883-1941) y Juan Gris (1887-1927) y los escultores Jacques Lipchitz (1891-1973) y Henri Laurens (1885-1954), también se contaban entre la avanzadilla del cubismo.

En ese momento los vívos colores y el estilo libre del fauvismo disfrutaban de gran popularidad y Modigliani conocía a los fauvistas del Bateau-Lavoir, entre ellos André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), y el escultor expresionista Manolo (Manuel Martínez Hugué; 1876-1945), así como Chaim Soutine (1893-1943), Moïse Kisling (1891-1953) y Marc Chagall (1887-1985). Modigliani pintó retratos de muchos de estos artistas. Max Jacob y otros escritores también formaron parte de aquella comunidad, como el poeta y crítico de arte (y amante de Marie Laurencin) Guillaume Apollinaire (1880-1918), el surrealista Alfred Jarry (1873-1907), el escritor, filósofo y fotógrafo Jean Cocteau (1889-1963), con quien Modigliani tuvo una relación ambigua, y André Salmon (1881-1969), que más tarde escribiría una novela adaptada para la escena basada en el modo de vida tan poco convencional de Modigliani (La vie passionnée de Modigliani, Editions Seghers, París). La escritora y coleccionista de arte norteamericana Gertrude Stein (1874-1946) y su hermano Leo también eran asiduos del Bateau-Lavoir.

Los amigos de Modigliani lo llamaban “Modi” (pronunciado modí), un juego de palabras basado en la expresión francesa peintre maudit (pintor maldito). Él mismo creía que un artista tenía necesidades y deseos distintos a los del resto de la gente y que, por lo tanto, su vida debía ser juzgada bajo una luz diferente, una teoría que formuló tras leer a autores como Friedrich Nietzsche (1844-1900), Charles Baudelaire (1821-1867) y Gabriele D’Annunzio (1863-1938). Modigliani tuvo incontables amantes, era un bebedor empedernido y consumía drogas. De vez en cuando, sin embargo, regresaba a su Italia natal para visitar a su familia, descansar y recuperar la salud.

Durante su infancia, Modigliani había padecido pleuresía y fiebre tifoidea, enfermedades que debilitaron de por vida sus pulmones. Su precario estado de salud se veía agravado por su escasez de dinero y por su estilo de vida inestable y disoluto. Cuando murió de tuberculosis, su joven compañera, Jeanne Hébuterne, embarazada de su segundo hijo, fue incapaz de imaginar la vida sin él y se suicidó al día siguiente…

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Rodin − Rilke − Hofmannsthal. El hombre y su genio

Exposición: Rodin − Rilke − Hofmannsthal. El hombre y su genio

Fecha: 17 de Noviembre de 2017 − 18 de Marzo de 2018

Museo: Museo Rodin

“Los escritores trabajan con palabras, los escultores con acciones”
Pomponius Gauricus, De Sculptura (circa 1504)

El héroe es aquel que permanece inalterablemente centrado
–Emerson

Rodin era un solitario antes de ser famoso. Y la fama, cuando le llegó, lo convirtió en alguien aún más solitario, pues, finalmente, la fama no es más que la sumatoria de todos los malentendidos que se congregan alrededor de un nombre nuevo. Existen muchos de estos alrededor de Rodin, y aclararlos sería una labor larga, ardua e innecesaria. Rodean el nombre, aunque no a la obra, que sobrepasa de lejos la resonancia del nombre, y que se ha convertido en algo sin nombre, como no tiene nombre una gran llanura, o el mar, que probablemente reciba un nombre en un mapa, en los libros y entre la gente, pero que en realidad es sólo inmensidad, movimiento y profundidad.

La obra de la que hablamos aquí ha estado creciendo durante años. Crece cada día como un bosque, sin perder nunca una hora. Al pasar por entre sus incontables manifestaciones, quedamos sometidos por la riqueza de descubrimientos e invención, y no podemos evitar maravillarnos ante el par de manos del que ha nacido este mundo. Recordamos lo pequeñas que son las manos de los hombres, de lo pronto que se cansan y del poco tiempo que se les da para crear. Anhelamos ver estas manos, que han vivido la existencia de cientos de manos, de una nación de manos que se han levantado antes del amanecer para enfrentar el largo camino de su obra. Nos preguntamos a quién pertenecen estas manos. oeQuién es este hombre?

Es un hombre viejo. Y su vida es una de aquellas que se resisten a convertirse en una historia. Esta vida comenzó y ahora continúa, pasando a una venerable edad; casi nos parece como si esta vida ha sucedido cientos de años atrás. No sabemos nada de ella. Debió de haber existido algún tipo de infancia, una infancia en la pobreza; oscura, aguda, incierta. Y quizás esta infancia aún pertenezca a esta vida. Después de todo, como afirmó alguna vez San Agustín, oedónde pudo haber ido? Quizás aún posea todas sus horas pasadas, las horas de anticipación y desolación, las horas de desesperación y las largas horas de necesidad.

Esta es una vida que no ha perdido nada, una vida que acumula incluso mientras pasa. Tal vez. En verdad no sabemos nada de esta vida. Sentimos, sin embargo, la certeza que debe ser así, pues sólo una vida como esta pudo generar tanta riqueza y abundancia. Sólo una vida en la que todo está presente y vivo, en la que nada se ha perdido en el pasado, puede permanecer joven y fuerte y elevarse una y otra vez para crear grandes obras. Llegará el día cuando esta vida tenga una historia, una narración con temas, episodios y detalles.

Serán todos inventados. Alguien hablará de un niño que se olvidaba a menudo de comer porque parecía más importante tallar cosas en madera con un cuchillo deslustrado. Hallarán algún encuentro durante los primeros días de este muchacho que pareciera prometer una grandeza futura, una de aquellas profecías retrospectivas que resultan tan comunes y conmovedoras. Podría ser quizás las palabras que un monje le dijo a Michel Colombe hace casi quinientos años :

“Trabaja, pequeño, observa todo lo que puedas, el campanario de St-Pol, y las hermosas obras de los compañeros, observa, ama a Dios, y serás merecedor de grandes cosas”.

Y se te dará la gracia de grandes cosas. Quizás la intuición le habló al hombre joven en alguna de sus encrucijadas durante sus primeros días, y en tonos infinitamente mucho más melodiosos que aquellos salidos de la boca de un monje. Pues era justamente esto lo que perseguía: la gracia de grandes cosas. Estaba el Louvre con sus muchos objetos luminosos de la Antigüedad, evocando cielos sureños y la proximidad del mar. Y más allá de éste se levantaban pesadas cosas de piedra, vestigios de culturas inconcebibles, perdurando hasta épocas aún por venir. Esta piedra estaba dormida, y uno tenía la sensación de que se iría a despertar; es una especie de Juicio Final. Había piedra que no parecía para nada mortal, y otra que parecía estar en movimiento, gestos que permanecían completamente frescos, como si se preservaran aquí sólo para entregárselos a un niño de paso.

Las obras invisibles, diminutas, sin nombre y en apariencia superfluas, no estaban menos colmadas de esta fuerza interna, con esta rica y asombrosa inquietud de vida. Incluso la inmovilidad, donde la hubiera, consistía en cientos de motivos móviles sostenidos en equilibrio. Había pequeñas figuras, especialmente animales, moviéndose, estirándose o acurrucándose, e incluso cuando un pájaro permanecía quieto, uno sabía muy bien que se trataba de un pájaro, pues mientras el cielo se extendía y lo rodeaba, la envergadura era aparente entre los pliegues más pequeños de sus alas, que podrían desplegarse hasta un tamaño asombroso.

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Rubens: El Padre Spiritual de Botero

Exposición: “Rubens. The Power of Transformation”

Fecha: 8 de Febrero – 28 de Mayo de 2018

Museo: Museo Stadel

El nombre de Pedro Pablo Rubens es conocido en el mundo entero y la importancia de su obra en la evolución de la cultura europea es universalmente reconocida. Sin embargo, en el siglo XVII Rubens no gozaba del renombre que alcanzaría más adelante, lo que puede parecer extraño si se tiene en cuenta que algunos de sus contemporáneos ya lo celebraban como ÿel Apeles de nuestro tiempo».

No obstante, en los años que siguieron a su muerte en 1640, la notoriedad que había alcanzado en vida se vio eclipsada por las transformaciones históricas que se operaron en Europa. A principios de siglo se había gestado la formación de naciones y de monarquías absolutas.

La novedosa aproximación al arte de Rubens permitía a los distintos estratos sociales de numerosos países reafirmarse en su identidad nacional y en los paralelismos en su desarrollo. El pintor defendía el valor intrínseco del mundo material que se percibe con los sentidos.

Su exaltación del hombre y de su lugar en el universo y su celebración de las tensiones sublimes entre la fuerza física y la imaginación en situaciones de exacerbado conflicto social se convirtieron a la vez en estandarte e ideal de la lucha. No obstante, en la segunda mitad de siglo, la situación cambió en Europa occidental: el absolutismo se alzó triunfante en Alemania después de la Guerra de los Treinta Años, en Francia después de La Fronda y en Inglaterra con la Restauración.

La escisión social entre conservadores y progresistas se aceleró, y se instaló entre las clases privilegiadas, reaccionarias por naturaleza, un «cuestionamiento de los valores» que despertó una actitud ambigua y hasta contradictoria con respecto a Rubens. Será necesario esperar hasta el siglo XVIII para ver renacer el interés por la obra de Rubens.

En los tres siglos que siguieron a su fallecimiento, la herencia del maestro, que nunca perdió su valor estético, fue apreciada y comprendida de muy diversas maneras. La doctrina estética dominante en cada etapa histórica, incapaz de sustraerse a su influencia, se esforzó por interpretarla según las teorías que convinieran en cada momento.

Así, se distinguían en su obra aquellos rasgos significativos que se deseaba ver o los que se temía descubrir. Sin embargo, la actividad y la obra de Rubens estuvieron tan estrecha e íntimamente ligadas a la realidad de su tiempo, que durante su vida no pudo tomarse la distancia indispensable para obtener una perspectiva global del papel y de la importancia del artista.

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